Il modernismo nelle arti si riferisce al rifiuto delle tradizioni dell’era vittoriana e all’esplorazione delle questioni dell’età industriale e della vita reale, e combina un rifiuto del passato con la sperimentazione, a volte per scopi politici. Che si estende dalla fine del 19 ° secolo alla metà del 20 ° secolo, il modernismo ha raggiunto il suo picco nel 1960; Post-modernismo descrive il periodo che seguì nel corso del 1960 e 1970., Il post-modernismo è un licenziamento della rigidità del modernismo a favore di un approccio” tutto va ” alla materia, ai processi e al materiale.
IL MODERNISMO NELL’ARTE
Monet dipinge nel suo giardino ad Argenteuil di Pierre-Auguste Renoir.
Il passaggio al modernismo può essere in parte accreditato alle nuove libertà godute dagli artisti alla fine del 1800. Tradizionalmente, un pittore veniva commissionato da un mecenate per creare un’opera specifica., La fine del 19 ° secolo ha visto molti artisti in grado di cogliere più tempo per perseguire soggetti nel loro interesse personale.
Allo stesso tempo, il crescente campo della psicologia trasformò l’analisi delle esperienze umane verso l’interno e incoraggiò un tipo di scienza più astratto, che ispirò le arti visive a seguire.
Con i cambiamenti nella tecnologia che creano nuovi materiali e tecniche nell’arte, la sperimentazione è diventata più possibile e ha anche dato al lavoro risultante una portata più ampia., I progressi della stampa alla fine del 1800 significarono che i manifesti di opere d’arte allargarono la consapevolezza del pubblico sull’arte e sul design e portarono idee sperimentali nella cultura popolare.
Debuttando ufficialmente nel 1874, l’impressionismo è considerato il primo movimento artistico modernista. Con leader come Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir, gli impressionisti usano brevi e feroci pennellate e l’effetto alterante della luce separava il loro lavoro da ciò che lo precedeva. L’attenzione degli impressionisti sulle scene moderne era un rifiuto diretto della materia classica.,
Movimenti successivi come il post-impressionismo, il fauvismo, il cubismo, il costruttivismo e il De Stijl erano solo un esempio di quelli che seguivano il percorso sperimentale iniziato dall’impressionismo.
DADA
Una donna guarda ‘Fountain’ di Marcel Duchamp durante un’anteprima stampa di una mostra alla Barbican Art Gallery di Londra, Inghilterra., (Credit: Dan Kitwood / Getty Images)
Il movimento Dada ha portato avanti la sperimentazione rifiutando l’abilità tradizionale e lanciando una ribellione artistica a tutto campo che abbracciava il nonsense e l’assurdità. Le idee dadaiste apparvero per la prima volta nel 1915 e il movimento fu ufficializzato nel 1918 con il suo Manifesto di Berlino.
L’artista francese Marcel Duchamp ha esemplificato la giocosità altezzosa dei dadaisti. La sua fontana del 1917, un orinatoio di porcellana firmato e il suo L. H. O. O. Q. del 1919.,, una stampa di Leonardo da Vinci’s Mona Lisa con un baffo penciled su esso, entrambi girano la loro schiena sull’idea stessa di creare arte. In tal modo, Duchamp predisse il post-modernismo.
Espressionismo astratto
Artista Jackson Pollock che lavora nel suo studio. (Credit: Martha Holmes / The LIFE Picture Collection / Getty Images)
Il modernismo raggiunse il suo apice con l’espressionismo astratto, iniziato alla fine degli anni 1940 negli Stati Uniti., Allontanandosi da soggetti e tecniche comuni, l’espressionismo astratto era noto per tele sovradimensionate e schizzi di vernice che potevano sembrare caotici e arbitrari.
Ogni opera espressionista astratta funzionava sia come documento del subconscio dell’artista che come mappa dei movimenti fisici necessari per creare l’arte. Il pittore Jackson Pollack divenne famoso per il suo metodo di gocciolare la vernice sulla tela dall’alto.
NEO DADA E POP ART
Bronzo dipinto (Ballantine Ale) di Jasper Johns., (Credit: Peter Horree / Alamy Stock Photo)
Il periodo di transizione tra modernismo e post-modernismo è accaduto per tutto il 1960. Pop Art servito come un ponte tra di loro. La pop Art era ossessionata dai frutti del capitalismo e della cultura popolare, come pulp fiction, celebrità e beni di consumo.
Iniziato in Inghilterra alla fine degli anni 1950 ma reso popolare in America, il movimento è stato informato da ex espressionisti astratti come Jasper Johns e Robert Rauschenberg, che si era trasformato nel movimento Neo-Dada della fine degli anni 1950.,
La scultura di Rauschenberg del 1960 di Ballantine Ale cans pre-datata alle famose lattine di zuppa Campbell dell’artista pop Andy Warhol. Warhol ha guadagnato ulteriore fama dai suoi ritratti serigrafici ossessionante, più famoso di celebrità come Marilyn Monroe, mentre Pop Art connazionale Roy Lichtenstein saccheggiato pannelli di fumetti per i suoi dipinti.,
POST-MODERNISMO
Il post-modernismo, come appariva negli anni ‘ 70, è spesso legato al movimento filosofico Poststrutturalismo, in cui filosofi come Jacques Derrida proponevano che le strutture all’interno di una cultura fossero artificiali e potessero essere decostruite per essere analizzate.
Di conseguenza, c’era poco da unire l’arte post-moderna se non l’idea che “tutto va” e la preponderanza di materiali insoliti e processi meccanici per l’espressione che si sentono impersonali, anche se spesso impiegano umorismo.,
Al centro del post-modernismo c’era l’arte concettuale, che proponeva che il significato o lo scopo dietro la realizzazione dell’arte fosse più importante dell’arte stessa. C’era anche la convinzione che tutto potesse essere usato per fare arte, che l’arte potesse assumere qualsiasi forma, e che non ci dovesse essere alcuna differenziazione tra arte alta e arte bassa, o arte fine e arte commerciale.
L’artista Jean-Michel dipinge a St. Moritz, Svizzera,1983., (Credit: Lee Jaffe / Getty Images)
Il lavoro post-moderno negli anni ‘ 70 è stato talvolta deriso come “arte per amore dell’arte”, ma ha dato origine all’accettazione di una serie di nuovi approcci. Tra queste nuove forme c’erano Earth art, che crea lavori su paesaggi naturali; Performance art; Installation art, che considera un intero spazio piuttosto che un solo pezzo; Process art, che ha sottolineato la realizzazione dell’opera come più importante del risultato; e Video art, così come i movimenti basati sull’arte femminista e minoritaria.,
Il 1980 ha visto l’aumento di appropriazione come una pratica molto utilizzata. Pittori come Jean-Michael Basquiat e Keith Haring imitavano direttamente gli stili dei graffiti, mentre artisti come Sherrie Levine sollevavano il lavoro reale di altri artisti da utilizzare nelle loro creazioni. Nel 1981, Levine fotografò una foto di Walker Evans e la rappresentò come un nuovo lavoro che metteva in discussione l’idea stessa di una foto originale.
Da allora l’arte post-moderna è diventata meno definita dalla forma che l’arte assume e più determinata dall’artista che crea l’opera., L’artista americana Jenny Holzer, salita alla ribalta negli anni ‘ 70 con la sua arte concettuale fatta di linguaggio, incarna questo modello.
I “Truismi” di Holzer sono frasi ingannevolmente semplici che comunicano idee complicate, spesso contraddittorie, come “Proteggimi da ciò che voglio.”Ha anche prodotto un corpo di lavoro dall’uso della tortura da parte del governo americano durante la guerra in Iraq. La cura del testo di Holzer, piuttosto che qualsiasi motivo visivo, è l’aspetto coerente che unisce il suo lavoro.,
Alcuni storici dell’arte ritengono che l’era post-moderna si sia conclusa all’inizio del 21 ° secolo e si riferiscono al periodo successivo come Post post-moderno.