El Modernismo en las artes se refiere al rechazo de las tradiciones de la Era Victoriana y la exploración de la edad industrial, problemas de la vida real, y combina un rechazo del pasado con la experimentación, a veces con fines políticos. Extendiéndose desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, el modernismo alcanzó su apogeo en la década de 1960; el posmodernismo describe el período que siguió durante las décadas de 1960 y 1970., El postmodernismo es un rechazo de la rigidez del Modernismo en favor de un enfoque de «todo vale» para la materia, los procesos y el material.
modernismo en el arte
Monet pintando en su jardín en Argenteuil por Pierre-Auguste Renoir.
El cambio al modernismo se puede atribuir en parte a las nuevas libertades que disfrutaban los artistas a finales de 1800. tradicionalmente, un pintor era comisionado por un mecenas para crear una obra específica., A finales del siglo 19 fue testigo de muchos artistas capaces de aprovechar más tiempo para perseguir temas en su interés personal.
al mismo tiempo, el creciente campo de la psicología volvió el análisis de las experiencias humanas hacia adentro y alentó un tipo de ciencia más abstracta, que inspiró a las artes visuales a seguir.
con los cambios en la tecnología creando nuevos materiales y técnicas en la creación de arte, la experimentación se hizo más posible y también dio al trabajo resultante un alcance más amplio., Los avances en la impresión a finales de 1800 significaron que los carteles de obras de arte ampliaron la conciencia del público sobre el arte y el diseño y transportaron ideas experimentales a la cultura popular.
debutando oficialmente en 1874, El impresionismo es considerado el primer movimiento de arte modernista. Con líderes como Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir, el uso de pinceladas breves y feroces y el efecto alterador de la luz separaron su trabajo de lo que vino antes. El enfoque de los impresionistas en las escenas modernas fue un rechazo directo del tema clásico.,
movimientos posteriores como el postimpresionismo, el fauvismo, el cubismo, el constructivismo y De Stijl fueron solo una muestra de aquellos que siguieron el camino experimental iniciado por el Impresionismo.
DADA
una mujer mira ‘Fountain’ de Marcel Duchamp durante una vista previa de prensa de una exposición en la Barbican Art Gallery de Londres, Inglaterra., (Crédito: Dan Kitwood/Getty Images)
El movimiento Dadá llevó la experimentación más allá al rechazar la habilidad tradicional y lanzar una rebelión artística total que abrazó el sinsentido y el absurdo. Las ideas dadaístas aparecieron por primera vez en 1915, y el movimiento se hizo oficial en 1918 con su Manifiesto de Berlín.
El artista francés Marcel Duchamp ejemplificó la arrogante alegría de los dadaístas. Su fuente de 1917, un urinario de porcelana firmado, y su L. H. O. O. Q. de 1919.,, una impresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci con un bigote dibujado sobre ella, ambos le dan la espalda a la idea de crear arte. Al hacerlo, Duchamp predijo el posmodernismo.
Expresionismo abstracto
artista Jackson Pollock trabajando en su estudio. (Crédito: Martha Holmes / The LIFE Picture Collection / Getty Images)
El Modernismo alcanzó su apogeo con el Expresionismo abstracto, que comenzó a finales de la década de 1940 en los Estados Unidos., Alejándose de temas y técnicas comunes, el Expresionismo abstracto era conocido por lienzos de gran tamaño y salpicaduras de pintura que podían parecer caóticas y arbitrarias.
Cada obra expresionista abstracta funcionaba como un documento del subconsciente del artista y un mapa de los movimientos físicos necesarios para crear el arte. El pintor Jackson Pollack se hizo famoso por su método de gotear pintura sobre el lienzo desde arriba.
NEO DADA and POP ART
Painted Bronze (Ballantine Ale) by Jasper Johns., (Crédito: Peter Horree/Alamy Stock Photo)
el período de transición entre el modernismo y el posmodernismo ocurrió a lo largo de la década de 1960. El Pop Art estaba obsesionado con los frutos del capitalismo y la cultura popular, como la pulp fiction, las celebridades y los bienes de consumo.
iniciado en Inglaterra a finales de la década de 1950, pero popularizado en Estados Unidos, el movimiento fue informado por ex expresionistas abstractos como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, que se había metamorfoseado en el movimiento Neo-Dada de finales de la década de 1950.,
la escultura de 1960 de latas de cerveza Ballantine de Rauschenberg es anterior a las famosas latas de sopa Campbell del artista pop Andy Warhol. Warhol ganó más fama de sus inquietantes retratos en pantalla de seda, el más famoso de celebridades como Marilyn Monroe, mientras que el compatriota del Arte Pop Roy Lichtenstein saqueó paneles de cómics para sus pinturas.,
el postmodernismo, tal como apareció en la década de 1970, a menudo está vinculado con el movimiento filosófico postestructuralismo, en el que filósofos como Jacques Derrida propusieron que las estructuras dentro de una cultura eran artificiales y podían ser deconstruidas para ser analizadas.
como resultado, había poco para unir el arte postmoderno, aparte de la idea de que «todo vale» y la preponderancia de materiales inusuales y procesos mecánicos para la expresión que se sienten impersonales, aunque a menudo emplean humor.,
en el corazón del postmodernismo estaba el arte conceptual, que proponía que el significado o propósito detrás de la creación del arte era más importante que el arte en sí. También existía la creencia de que cualquier cosa se podía usar para hacer arte, que el arte podía tomar cualquier forma, y que no debía haber diferenciación entre el arte alto y el arte bajo, o las Bellas Artes y el arte comercial.
El artista Jean-Michel pinta en St.Moritz, Suiza,1983., (Crédito: Lee Jaffe/Getty Images)
el trabajo posmoderno en la década de 1970 fue a veces ridiculizado como «arte por el arte», pero dio lugar a la aceptación de una serie de nuevos enfoques. Entre estas nuevas formas se encuentran el arte de la tierra, que crea obras en paisajes naturales; el arte de la Performance; El Arte de la instalación, que considera un espacio completo en lugar de una sola pieza; el arte del proceso, que hace hincapié en la realización de la obra como más importante que el resultado; y el videoarte, así como los movimientos basados en el arte feminista y minoritario.,
la década de 1980 vio el aumento de la apropiación como una práctica muy utilizada. Pintores como Jean-Michael Basquiat y Keith Haring imitaron directamente los estilos de graffiti, mientras que artistas como Sherrie Levine levantaron el trabajo real de otros artistas para usarlo en sus creaciones. En 1981, Levine fotografió una foto de Walker Evans y la representó como un nuevo trabajo cuestionando la idea misma de una foto original.
El arte postmoderno desde entonces se ha vuelto menos definido por la forma que toma el arte y más determinado por el artista que crea la obra., La artista estadounidense Jenny Holzer, que llegó a la fama en la década de 1970 con su arte conceptual hecho del lenguaje, encarna este modelo.
Las «perogrulladas» de Holzer son frases engañosamente simples que comunican ideas complicadas, a menudo contradictorias, como «protégeme de lo que quiero».»También ha producido un cuerpo de trabajo sobre el uso de la tortura por parte del gobierno estadounidense durante la Guerra de Irak. La curaduría de texto de Holzer, más que cualquier motivo visual, es el aspecto consistente que une su trabajo.,
algunos historiadores del arte creen que la era posmoderna terminó a principios del siglo XXI y se refieren al siguiente período Como Post postmoderno.